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Profesora, cantante lírica, académica
Carmen Luisa Letelier nace el 20 de noviembre de 1943 en Santiago de Chile. Sus padres fueron el compositor Alfonso Letelier y la cantante Margarita Valdés. Al pertenecer a una familia de músicos, estuvo siempre ligada a la música, estudiando desde muy pequeña piano con la profesora Judith Aldunate y teoría con la profesora Angela Dondini, poniendo en práctica sus estudios en casa con su familia, ya que su madre crea un coro con sus hermanos. Más cercana a su juventud se introduce en la música popular desarrollando los que eran sus géneros musicales favoritos: el jazz y la música folklórica. Así, llegó a cantar en el Club de Jazz de Santiago y a tener clases con la cantautora chilena Violeta Parra por aproximadamente dos años, con quien aprendió canto y la guitarra traspuesta.

Al concluir sus estudios primarios y secundarios en el Colegio Santa Úrsula, decide ligar sus estudios profesionales con sus gustos por la literatura y la lengua castellana, entrando a estudiar en el año 1962 la carrera de Pedagogía en Castellano en el Instituto Pedagógico de la Pontificia Universidad Católica de Chile, recibiendo su título de Profesora de Estado en Castellano el año 1967. Entre los años 1967 y 1969 trabaja como docente de castellano en el Colegio Santa Úrsula de Santiago. Al querer mejorar el uso y cuidado de su voz para desempeñar de mejor manera su carrera de profesora, sus padres le recomiendan estudiar canto; así, el año 1966 ingresa al Conservatorio Nacional de Música de la Universidad de Chile, específicamente a la cátedra de canto de la profesora Lila Cerda, donde también recibe clases con Clara Oyuela, Federico Heinlein, Elvira Savi y Hernán Wurth. Tras desarrollar sus habilidades como contralto decide participar en el concurso de canto CRAV (Compañía de Refinería de Azúcar de Viña del Mar), donde consigue obtener la Mención Honrosa en el año 1966. En este contexto descubre su amor por el canto y decide dedicarse por completo a su carrera musical, obteniendo el título de Intérprete Superior con mención en Canto el año 1978 en el Departamento de Música de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile.

La cantante realiza su primera presentación como solista en 1967 con la Orquesta Filarmónica del Teatro Municipal de Santiago en el Te Deum de Marc-Antoine Charpentier, dirigida por el músico y director Mario Baeza. El mismo año 1967 participa como solista con la Orquesta Sinfónica en la Cantata Nr. 112 J. S. Bach con la Orquesta de Cámara de la Universidad Católica y como solista con la Orquesta Sinfónica de Lima en el Oratorio Judas Macabeo de G. F. Haendel. Durante el año 1968 participa en estrenos de obras chilenas en los Festivales de Música Chilena de la Universidad de Chile y ofrece un recital de lieder en París con música chilena y europea (Brahms, Milhaud, Messiaen, Schoenberg, Leng, Letelier, Botto), participando además en una grabación para la ORTF de París con obras de alumnos de composición del maestro Max Deutsch. De esta forma comienza su carrera como solista, demostrando una sólida técnica vocal que le permite actuar dentro de Chile con las Orquestas Sinfónicas y Filarmónicas de Santiago, La Serena, Osorno, Antofagasta, Valparaíso, Orquesta de Cámara de la Universidad Católica y Orquesta Clásica de la USACH. Fuera de Chile, ha actuado con la Orquesta del Teatro Colón de Buenos Aires, Orquesta del SODRE en Uruguay, Orquesta Santa Cecilia de Pamplona (España), Orquesta Sinfónica de Mendoza, Orquesta Sinfónica de Lima, Orquesta Sinfónica de Bogotá, Orquesta Sinfónica de la Ciudad de México, Filarmónica Municipal del Teatro Municipal de Río de Janeiro y la Orquesta de Cámara del Teatro Teresa Carreño de Caracas. Además, ha realizado giras de conciertos nacionales e internacionales en países como Perú, Ecuador, Venezuela, México, Colombia, Argentina, Brasil, Canadá, Estados Unidos, España, Francia, Polonia, Hungría, República Checa y Austria, desenvolviéndose en diferentes géneros musicales como la ópera, la música antigua, la música de cámara, el lied, el oratorio y la música contemporánea, preocupándose siempre de interpretar y difundir la música chilena.

Dentro del amplio repertorio qué interpretó como solista, se encuentran obras como misas, sinfonías, canciones, entre otras, de diferentes compositores europeos de los cuales podemos mencionar a J. S. Bach, G. F. Haendel, Charpentier, Henry Purcell, G. B. Pergolesi, Ludwig van Beethoven, W. A. Mozart, J. Haydn, G. Rossini, F. Mendelssohn, J. Brahms, G. Mahler, M. Ravel, C. Debussy y A. Bruckner. Además, ha interpretado y estrenado obras de diversos compositores chilenos, como de Alfonso Leng, Cuatro canciones y Salmo; A. Letelier, Canciones de cuna, Estancias Amorosas, Canciones de Stephan Georg y Sinfonía “El hombre ante la ciencia”; Carlos Isamitt, Friso Araucano; Carlos Riesco, De profundis; Santiago Vera, Silogística (de la obra Chile), entre otras.

Es importante destacar su trabajo en el campo de la ópera, donde tuvo gran éxito y aceptación de la crítica y el público interpretando diversos roles. Su carrera en la ópera comienza el año 1969 en el Teatro Municipal de Santiago con el rol de Emilia en Otelo de Verdi. En este mismo teatro va desarrollando su carrera participando el año 1979 en Las Valquirias de R. Wagner interpretando a Waltraute, y como paje en Salomé de R. Strauss. Durante 1987 también se presentó en Rosenkavalier de Strauss como Annina, y el año siguiente como Dorabella en Cosi fan tutte de W. A. Mozart. En 1989 interpreta el papel de Niania Filipievna en Eugenio Oneguin de Chaikovski y Suzuki en Madame Butterfly de Puccini. Ya en 1990 fue Comtesse de Berkenfield en La Fille du Regiment de Donizetti, y durante 1993 interpreta tres papeles: Niania en Boris Godunov de Músorgski, Smeton en Ana Bolena de Donizetti y Marie en Der Fliegende Holländer de Wagner. En 1994 participa en La Dama de Pique en el papel de Institutriz, en 1995 en La flauta Mágica de W. A. Mozart como tercera dama y en 1998 fue Buria en Jenufa de Leos Janacek. Además, participó en Viento Blanco del compositor chileno Sebastián Errazuriz en Santiago a mil y en Il trionfo dell'amor del compositor A. Scarlatti.

En 1969 Carmen Luisa Letelier se casa con Pablo Domeyko con quien tiene cinco hijos y quien en palabras de la cantante siempre fue un gran apoyo. Este mismo año comienza a dedicarse de lleno al canto y entra a la Universidad Católica como profesora de canto del Instituto de Música, donde desempeñó su labor por nueve años. Al mismo tiempo que ingresa a la Universidad Católica comienza a incursionar en la música de cámara con su participación como contralto en el Conjunto de Música Antigua UC, fundado en 1954 y conformado por un quinteto de voces y un conjunto instrumental, el que era dirigido por Sylvia Soublette, donde destaca como una gran liederista y en el que permanece por aproximadamente 20 años. Es con este conjunto que realiza su primera gira internacional a Estados Unidos el año 1970, donde dan conciertos en New York (Lincoln Center y St Patrick’s Cathedral), Washington (Library of Congress, Organización de los Estados Americanos OEA) y Saint Louis, Missouri. Ya en 1975 realiza giras a Brasil, donde dan conciertos en Rio de Janeiro, Belo Horizonte y Sao Paulo. Este mismo año, también realiza una gira con el Conjunto en Perú, Ecuador, Venezuela, Costa Rica, Estados Unidos y Canadá. Dentro de la música antigua interpretó una gran variedad de repertorio, que incluye música vocal española, francesa, inglesa y alemana de la edad media y el renacimiento, además de madrigales de Gesualdo, Carissimi, Pergolesi, Vivaldi y Marcello, entre otros.

En el ámbito de la música de cámara, ha interpretado un amplio repertorio, que incluye canciones doctas de Schumann, Brahms, Schubert, Wolf, Mahler, Strauss, Schoenberg, Alban Berg y Hindemith. Cabe destacar también su interpretación de canciones doctas francesas de compositores como Lully, Rameau, Gounod, Ravel, Debussy, Chausson, Milhaud, Poulenc y Rene Bathon. Finalmente, también destacó como intérprete de canciones españolas y latinoamericanas de destacados compositores como Manuel de Falla, Eduardo Toldrá, Fernando Obradors, Xavier Montsalvatge, Enrique Granados, Federico García Lorca, Heitor Villalobos, Francisco Mignone, Carlos Guastavino, Carlos López Buchardo, Alberto Ginastera y Juan Carlos Zorzi; y de los chilenos Federico Heinlein, Alfonso Leng, Alfonso Letelier, Miguel Letelier Valdés, Carlos Botto, Carlos Riesco, Santiago Vera, Cirilo Vila, Domingo Santa Cruz, René Amengual, Pedro Núñez Navarrete, Eduardo Cáceres, Fernando García, entre muchos otros.

Tras su destacada participación en el conjunto de música antigua, en 1983 ingresa al Ensemble Bartók como contralto. Esta agrupación musical fundada por Valene Georges el año 1981 se creó con el fin de fomentar y difundir la música contemporánea y de vanguardia creada por compositores chilenos y latinoamericanos. Letelier participa en el ensamble durante muchos años, dentro de los cuales pudo estrenar más de 80 obras compuestas exclusivamente para ser interpretadas por el Ensemble, y con el cual realizó alrededor de 30 giras internacionales, donde fue posible difundir la música chilena del siglo XX en diferentes países, entre los que podemos mencionar Estados Unidos, México, Canadá, Argentina, República Checa, Polonia, Hungría, Francia, Austria, España y Lituania. También participó con el ensamble en la grabación de un doble cassette con obras de compositores chilenos y latinoamericanos y dos CDs con obras de compositores chilenos. En el marco de una planificada gira con el ensamble a México durante el año 2012, le descubren un cáncer a la garganta, por lo que no puede viajar y comienza a disminuir su participación en este conjunto de música contemporánea.

Si bien sus primeros estudios y acercamientos a la educación fueron como profesora de castellano, fue esta profesión la que indirectamente impulsó su carrera en el canto. La pedagogía y el canto se combinan cuando inicia su carrera como profesora de canto en la Universidad Católica, donde permanece entre 1969 y 1978. En 1979 comienza a dar clases de canto en el Departamento de Música de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, llegando a ser profesora de fonética para cantantes y profesora titular de canto el año 1980. Dentro de la Universidad de Chile, también se desempeñó en diferentes cargos, siendo elegida en 1998 como consejera de la Facultad de Artes, cargo que ejerció hasta el año 2003. Además, durante su trabajo en la facultad, fue nombrada miembro de la Comisión Superior de Evaluación el año 2000. Esto demuestra la importancia que tuvo la intérprete, no tan solo en la formación de cantantes, sino también en la gestión académica.

Aparte de las funciones y cargos anteriormente mencionados, el año 1995 fue nombrada Miembro de Número de la Academia de Bellas Artes del Instituto de Chile y el año 2000 consejera de la Corporación Cultural del Teatro Municipal de Santiago. Asimismo es importante destacar su participación como jurado en diferentes instancias, seleccionando a los postulantes para las becas que otorga la Fundación de la Corporación de Amigos del Teatro Municipal, pero también dentro de la Orquesta Sinfónica de Chile, donde participa en la selección de solistas de las Temporadas Oficiales y en los concursos internos de la Facultad de Artes. Finalmente, podemos destacar su invitación como jurado en el concurso Luis Sigall de Viña del Mar el año 1999.

Gracias a su labor como profesora de canto, Chile ha logrado contar con destacados y destacadas cantantes que se han distinguido tanto en el país como en el extranjero, demostrando una sólida técnica musical adquirida en sus clases, tal como es el caso de Carolina Muñoz Coloma y Evelyn Ramírez. Del mismo modo se logra evidenciar cómo, por medio de los diferentes cargos en los que se ha desempeñado, logró fomentar el desarrollo y difusión de la cultura chilena, lo que la hizo merecedora de numerosos premios y distinciones. El primero de estos fue en conjunto con el Sexteto Hindemith 76, con quienes ganó el Premio APES al mejor disco de música popular en 1976. En 1978 recibe el premio de la Crítica de Uruguay por su interpretación de Das Lied von der Erde del compositor G. Mahler; este mismo año recibe una condecoración de la Embajada de Austria por su homenaje a Franz Schubert. En 1982 recibe el premio del Círculo de Críticos de Arte mención música y en 1990 en la mención ópera. A su vez, en 1989 se le concede la Medalla “Mujer Destacada” otorgada por el Gobierno de Chile por su labor y trayectoria y el año 2000, en conjunto con el Ensemble Bartók, obtiene el premio Altazor. El 2001 recibe esta misma distinción por su interpretación en la ópera Madame Butterfly, además, en este mismo año se le otorga el Premio del Círculo de Críticos de Arte de la Quinta Región. El año 2002 recibe el reconocimiento a una vida profesional otorgado por la Orquesta Sinfónica de Chile.

Tras años de desempeñarse como cantante y profesora, el 2010 se le otorga la mayor distinción a la música chilena: el Premio Nacional de Artes Musicales, siendo escogida de forma unánime por el jurado integrado por el Ministro de Educación Joaquín Lavín, el Rector de la Universidad de Chile Víctor Pérez Vera, el músico Américo Giusti como representante de la Universidad de Talca y el musicólogo Luis Merino por la Academia de Bellas Artes del Instituto de Chile, quienes destacaron su gran labor en la educación de jóvenes cantante y la difusión e impulso de la creación chilena y latinoamericana.

fue un compositor austrohúngaro romántico,1​ un virtuoso pianista, director de orquesta, profesor de piano, arreglista y seglar franciscano. Su nombre en húngaro era Liszt Ferencz, según el uso moderno Liszt Ferenc,​ y desde 1859 hasta 1865 fue conocido oficialmente como Franz Ritter von Liszt.

Liszt se hizo famoso en toda Europa durante el siglo XIX por su gran habilidad como intérprete. Sus contemporáneos afirmaban que era el pianista técnicamente más avanzado de su época y quizás el más grande de todos los tiempos.​ También fue un importante e influyente compositor, un profesor de piano notable, un director de orquesta que contribuyó significativamente al desarrollo moderno del arte y un benefactor de otros compositores y artistas, intérpretes o ejecutantes, en particular de Richard Wagner, Hector Berlioz, Camille Saint-Saëns, Edvard Grieg y Aleksandr Borodín.

Como compositor, fue uno de los más destacados representantes de la Nueva Escuela Alemana («Neudeutsche Schule»). Compuso una extensa y variada cantidad de obras para piano (rapsodia, estudios, transcripciones, etc.), en estilo concertante para piano y orquesta y también una extensa producción orquestal. Influyó en sus contemporáneos y sucesores, y anticipó algunas ideas y tendencias del siglo XX. Algunas de sus contribuciones más notables fueron la invención del poema sinfónico, desarrollando el concepto de transformación temática como parte de sus experimentos en la forma musical, y hacer desviaciones radicales en la armonía.

Fue un compositor, pianista, organista y director de orquesta alemán del período romántico temprano . Las composiciones de Mendelssohn incluyen sinfonías , conciertos, música para piano, música para órgano y música de cámara . Sus obras más conocidas incluyen la obertura y la música incidental de El sueño de una noche de verano (que incluye su « Marcha nupcial »), las sinfonías italiana y escocesa , los oratorios San Pablo y Elías , la obertura Hébridas , el Concierto para violín maduro , el Octeto de cuerdas y la melodía utilizada en el villancico « ¡Escucha! Los ángeles anunciadores cantan ». Las Canciones sin palabras de Mendelssohn son sus composiciones para piano solo más famosas.

Fue un compositor, director de orquesta y profesor francés. Fue miembro de Les Six y uno de los compositores más prolíficos del siglo XX. Sus composiciones están influenciadas por el jazz y la música brasileña y utilizan ampliamente la politonalidad. Milhaud está considerado uno de los compositores modernistas más importantes.​ Profesor de renombre, enseñó a muchos futuros compositores de jazz y música clásica, como Burt Bacharach, Dave Brubeck, Philip Glass, Steve Reich, Karlheinz Stockhausen y Iannis Xenakis, entre otros.

Se casó con la actriz Madeleine Milhaud.

Nacido en Marsella, hijo de Sophie (Allatini) y Gad Gabriel Milhaud. Sin embargo, creció en Aix-en-Provence, que él consideraba su verdadera ciudad ancestral.​ La suya era una familia judía de larga tradición del Comtat Venaissin -una apartada región de Provenza- con raíces que se remontan allí al menos hasta el siglo XV. Empezó sus primeros estudios musicales, de violín, a los siete años, con Leo Bruguier, que lo incorporó a su cuarteto de cuerda. Ingresó en el Conservatorio de París en 1909. Fue alumno de Berthelier (violín), Xavier Leroux (armonía), André Gedalge (contrapunto), Paul Dukas, Vincent d'Indy (dirección de orquesta) y Charles-Marie Widor (composición). Allí conocerá a sus compañeros Georges Auric, Jean Wiener, Jacques Ibert y Arthur Honegger.

Es la orquesta sinfónica activa más antigua de Estados Unidos. Establecida en Nueva York, la Filarmónica de Nueva York realiza la mayor parte de sus conciertos en el David Geffen Hall.
La orquesta fue fundada por Ureli Corelli Hill en 1842 como la Philharmonic Symphony Society de Nueva York y celebró su primer concierto el 7 de diciembre de aquel año, en que fue interpretada la Sinfonía n° 5 de Beethoven. Antes hubo otras orquestas en Nueva York, pero ninguna de ellas sobrevivió tanto tiempo. La Filarmónica, sin embargo, se volvió exitosa y creció en popularidad y tamaño durante el siglo XIX. Hacia el fin de aquel siglo, había varias orquestas en la ciudad que competían con ella, como la Orquesta Sinfónica de Boston, que hacía visitas regulares a Nueva York. En 1893, la Filarmónica, dirigida por Anton Seidl, ofreció el estreno mundial de la Sinfonía n° 9 "Del Nuevo Mundo" de Antonín Dvořák, lo que la ayudó a establecerse como una orquesta de rango internacional. Sin embargo, fue con la reconstitución de la orquesta como una organización profesional a tiempo completo en 1909 que aquello se volvió una realidad. Gustav Mahler, ahora recordado como compositor, pero en su tiempo uno de los más renombrados directores de la escena mundial, fue nombrado el primer director musical de esta nueva orquesta profesional.

La Filarmónica desde entonces ha comisionado nuevas obras a compositores modernos, y ha estado a la vanguardia de los avances técnicos. En 1922, fue la primera orquesta importante que dio conciertos transmitidos en vivo por la radio (un primer concierto también ha sido reclamado por la Orquesta Sinfónica de Detroit). En 1928 la Philharmonic Symphony Society (tal como era aún oficialmente conocida) se unió con su rival largo tiempo la Orquesta Sinfónica de Nueva York para formar la Orquesta Sinfónica Filarmónica de Nueva York, y después adquiriría su nombre actual de Filarmónica de Nueva York. En 1930, fue la primera en ofrecer transmisiones por toda América. Estos conciertos transmitidos han continuado hasta la actualidad. Entre 1937 a 1954 la Filarmónica tuvo un nuevo rival: la Orquesta Sinfónica de la NBC, que también estaba establecida en Nueva York, tenía como director a Arturo Toscanini, quien había dirigido antes la Filarmónica, además pagaban altos sueldos, tratando de agrupar a los mejores músicos de América.

La Filarmónica de Nueva York desarrolló y mantiene una reputación como un sobresaliente instrumento para la educación. Sus Young People's Concerts (Conciertos para jóvenes), iniciados por Ernest Schelling el 27 de marzo de 1924 y se hicieron famosos con Leonard Bernstein, fueron transmitidos nacionalmente y son disponibles en CD y en casete. La orquesta estaba oficialmente establecida en Carnegie Hall hasta 1962, cuando se trasladó a su actual casa del David Geffen Hall, que es parte del Lincoln Center en Nueva York. En junio de 2003, la Filarmónica anunció planes para regresar al Carnegie Hall hacia 2006; bajo presión, Lincoln Center eventualmente acordó aumentar sus servicios para conservar la orquesta. La promesa de estas mejoras mantendrá la orquesta en Lincoln Center para el futuro próximo.

Fue un violinista judío argentino-austriaco-estadounidense del siglo XX. Fue concertino de la Ópera Estatal de Viena y la Filarmónica de Viena.​ Fue despedido el 1 de septiembre de 1938 porque no pudo presentar un Ariernachweis (certificado ario). Ricardo fue uno de los tres hijos nacidos en Buenos Aires de Mauricio Odnoposoff y Juana (de soltera Veinstein). Mauricio Odnoposoff había emigrado de Rusia a Argentina con su padre. Ricardo aprendió a tocar el violín en Buenos Aires. El hermano de Ricardo, Adolfo Odnoposoff, fue un violonchelista famoso en Israel y América. La hermana de Ricardo, Nélida Odnoposoff fue una concertista de piano argentina cuyo debut europeo fue en 1935 en Berlín2​ y tocó como solista con importantes orquestas de América Latina.

Mauricio y Juana Odnoposoff se mudaron a Alemania donde sus hijos Ricardo, Adolfo y Nélida continuaron estudiando música.

Fue un compositor francés y miembro del grupo francés Les Six. Compuso música en todos los grandes géneros, entre ellos la música de cámara, el oratorio, la ópera, la música de ballet y la música orquestal. El crítico Claude Rostand, en julio de 1950, en un artículo del Paris-Presse, describe a Poulenc como «mitad un monje, mitad un granuja» ("Le moine et le voyou"), una etiqueta que se adjunta a su nombre para el resto de su carrera. Poulenc dice: "mi obra es la yuxtaposición de lo profano con lo sagrado".

Fue un compositor, director de orquesta y pedagogo ruso miembro del grupo de compositores conocido como Los Cinco.c​ Considerado un maestro de la orquestación, sus obras orquestales más conocidas —el Capricho español, la Obertura de la gran Pascua rusa y la suite sinfónica Scheherezade— son valoradas entre las principales del repertorio de música clásica, así como las suites y fragmentos de alguna de sus quince óperas. Scheherezade es un ejemplo de su empleo frecuente de los cuentos de hadas y temas populares.

Rimski-Kórsakov nació en Tijvin, unos 140 km al este de San Petersburgo, en el seno de una familia aristocrática con antecedentes militares. Su hermano mayor, Voin, veintidós años mayor que él, fue un conocido navegante y explorador marino.

Rimski-Kórsakov hace referencia en sus memorias que su madre tocaba un poco el piano y su padre sabía tocar de oído algunas piezas en este instrumento. Según el musicólogo Abraham, Rimski‑Kórsakov heredó la tendencia de su madre de tocar demasiado despacio. A la edad de seis años empezó a tomar clases de piano con varios profesores locales y mostró talento en destrezas auditivas,​ pero manifestaba poco interés, tocando, como más tarde escribiría, «mal, de manera descuidada, [...] manteniendo un tempo correcto a duras penas».
En el periodo en que fue a la escuela, Rimski‑Kórsakov tomó lecciones de piano de un hombre llamado Ulij. Estas clases recibieron la aprobación de Voin, director de la escuela en aquel entonces,​ porque ayudarían al joven a desarrollar sus habilidades sociales y a superar su timidez. Rimski‑Kórsakov escribe que mientras se mostraba «indiferente» a las lecciones, creció dentro de él el amor por la música, fomentada por las asiduas visitas a la ópera y a conciertos orquestales.​ Ulij se dio cuenta de que tenía un importante talento musical y le recomendó un nuevo profesor, F. A. Canille (Théodore Canillé). Empezó las lecciones de piano y composición en otoño de 1859 con Canille, del que más tarde diría ser el motivo por el que dedicó su vida a la composición. Gracias a Canille accedió a gran cantidad de música nueva para él, incluyendo la de Mijaíl Glinka y Robert Schumann.​ A pesar de que al joven músico le gustaban las clases de música, Voin las canceló cuando Rimski‑Kórsakov contaba con diecisiete años, al no parecerle ya de utilidad práctica. Canille le pidió a Rimski‑Kórsakov que continuara yendo a su casa cada domingo, no para clases formales, sino para tocar duetos y hablar de música. En noviembre de 1861, Canille presentó al joven de dieciocho años a Mili Balákirev. Balákirev a su vez le presentó a César Cui y Modest Músorgski. Estos tres hombres eran ya conocidos compositores a pesar de estar en la veintena. Rimski‑Kórsakov posteriormente escribió: «¡Con qué deleite escuchaba discusiones de temas de verdad [cursiva enfática de Rimski‑Kórsakov] sobre instrumentación, escritura de partes, etc.! ¡Y además, la mayor parte de lo que se hablaba era sobre asuntos musicales de actualidad! De golpe me sumergí en un nuevo mundo, desconocido para mí, del cual sólo había oído hablar en la sociedad de mis amigos diletantes. Me causó una gran impresión».

Balákirev animó a Rimski‑Kórsakov a que compusiera y le enseñó lo básico para empezar, aprovechando el tiempo que no pasaba en alta mar Balákirev también le urgió a que se enriqueciera leyendo libros de historia, literatura y crítica literaria.16​ Cuando le mostró a Balákirev los primeros compases de una primera sinfonía (en mi bemol mayor) que había compuesto, este insistió en que debía seguir trabajando en ella a pesar de su desconocimiento de las formas musicales. Durante dos años y ocho meses Rimski‑Kórsakov navegó en el velero clíper Almaz. A finales de 1862, ya había completado y orquestado tres movimientos de la sinfonía.18​d​ Compuso el movimiento lento durante una escala en Inglaterra y le envió por correo la partitura a Balákirev antes de volver a alta mar. Al principio, el trabajo en la sinfonía mantuvo al joven ruso ocupado durante su travesía.​ Compró partituras en cada puerto en el que hacían escala, así como un piano para interpretarlas y ocupaba sus horas de ocio estudiando el tratado de orquestación de Berlioz.​ Encontró tiempo para leer las obras de Homero, William Shakespeare, Friedrich Schiller y Johann Wolfgang von Goethe, visitando Londres, las Cataratas del Niágara y Río de Janeiro durante sus escalas en puertos.​ Finalmente, la falta de estímulo musical exterior apagó las ansias de aprender del joven marinero y le confesó a Balákirev que tras dos años en el mar había descuidado sus clases de música por meses.​ «La idea de ser un músico y compositor poco a poco fue perdiendo fuerza», recordaría posteriormente, «las tierras lejanas me empezaron a seducir, de alguna forma, aunque, siendo sincero, el servicio naval nunca me gustó mucho y a duras penas se adecuaba a mi forma de ser».

Fue un compositor italiano que ganó fama por sus 39 óperas, aunque también escribió muchas canciones, algunas piezas de música de cámara y piano y algo de música sacra. Estableció nuevos estándares tanto para la ópera cómica como para la seria antes de retirarse de la composición a gran escala cuando aún estaba en la treintena de edad, en el apogeo de su popularidad.
Nacido en Pésaro de padres músicos, su padre trompetista y su madre cantante, Rossini comenzó a componer a los 12 años y fue educado en la escuela de música de Bolonia. Su primera ópera se representó en Venecia en 1810 cuando tenía 18 años. En 1815, se comprometió a escribir óperas y dirigir teatros en Nápoles. En el período 1810-1823 escribió 34 óperas para la escena italiana que se representaron en Venecia, Milán, Ferrara, Nápoles y otros lugares. Esta productividad requería un enfoque casi formulado para algunos componentes (como las oberturas) y una cierta cantidad de autopréstamo. Durante este período produjo sus obras más populares, incluidas las óperas cómicas La italiana en Argel, El turco en Italia, El barbero de Sevilla y La Cenicienta, que llevó a su máxima expresión la tradición de la ópera bufa que heredó de maestros como Domenico Cimarosa y Giovanni Paisiello. También compuso obras de ópera seria como Tancredi, Otelo, La dama del lago y Semiramide. Todas estas atrajeron admiración por su innovación en melodía, color armónico e instrumental y de forma dramática. En 1824, la Ópera de París lo contrató, para la que produjera una ópera para celebrar la coronación de Carlos X, El viaje a Reims (reutilizada más tarde para su primera ópera en francés, El conde Ory), revisiones de dos de sus óperas italianas, Le Siège de Corinthe y Mosè in Egitto, y en 1829 su última ópera, Guillermo Tell.

La retirada de Rossini de la ópera durante los últimos 40 años de su vida nunca ha sido completamente explicada. Los factores que contribuyeron pudieron haber sido su mala salud, la riqueza que le había aportado su éxito y el surgimiento de una grand opéra espectacular con compositores como Giacomo Meyerbeer. Desde principios de la década de 1830 hasta 1855, cuando dejó París y se estableció en Bolonia, Rossini escribió relativamente poco. A su regreso a París en 1855 se hizo famoso por sus salones musicales de los sábados, a los que asistían regularmente músicos y círculos artísticos y de moda de París, para los que escribió las entretenidas piezas Péchés de vieillesse. Entre los invitados se incluyeron a Franz Liszt, Antón Rubinstein, Giuseppe Verdi, Meyerbeer y Joseph Joachim. La última gran composición de Rossini fue su Petite Messe Solennelle de 1863.

• Fue un compositor, teórico musical y pintor austriaco de origen judío. Desde que emigró a los Estados Unidos, en 1934, adoptó el nombre de Arnold Schoenberg, y así es como suele aparecer en las publicaciones en idioma inglés y en todo el mundo.
  Es reconocido como uno de los primeros compositores en adentrarse en la composición atonal, y especialmente por la creación de la técnica del dodecafonismo basada en series de doce notas, abriendo la puerta al posterior desarrollo del serialismo de la segunda mitad del siglo XX. Además, fue el líder de la denominada Segunda Escuela de Viena.

Compositor austríaco de los principios del Romanticismo musical y, a la vez, continuador de la sonata clásica siguiendo el modelo de Ludwig van Beethoven. A pesar de su corta vida, dejó un gran legado, que incluye más de seiscientas obras vocales seculares (principalmente lieder), siete sinfonías completas, música sacra, óperas, música incidental y gran cantidad de obras para piano y música de cámara. Entre sus obras principales figuran el Quinteto La trucha, la Sinfonía inacabada o inconclusa, la Sinfonía Grande, las tres últimas sonatas para piano (D. 958, 959 y 960), la ópera Fierrabras (D. 796), la música incidental de la obra de teatro Rosamunda (D. 797) y los ciclos de canciones La bella molinera (D. 795) y Viaje de invierno (D. 911).

Nació en el suburbio Himmelpfortgrund de Viena, y sus dotes poco comunes para la música fueron evidentes desde sus primeros años. Su padre le dio las primeras lecciones de violín y su hermano mayor le dio lecciones de piano, pero Schubert pronto superó a sus maestros. En 1808, a la edad de once años, entró como alumno en la escuela Stadtkonvikt, donde se familiarizó con la música orquestal de Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven. Lo abandonó a finales de 1813 y regresó a su hogar para vivir con su padre, donde comenzó a estudiar para hacerse maestro de escuela. A pesar de esto, continuó sus estudios de composición con Antonio Salieri. En 1821, la Gesellschaft der Musikfreunde lo admitió como miembro intérprete, lo que lo ayudó a darse a conocer entre la ciudadanía vienesa. Dio un concierto de sus propias obras con gran éxito de crítica en marzo de 1828, la única vez que lo hizo en su carrera. Murió ocho meses después a los 31 años, y la causa oficialmente atribuida fue la fiebre tifoidea, aunque algunos historiadores creen que fue por sífilis.

La valoración de su música mientras vivía se limitó a un círculo relativamente pequeño de admiradores en Viena, pero el interés en su obra aumentó significativamente en las décadas posteriores a su muerte. Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Franz Liszt, Johannes Brahms y otros compositores del siglo XIX descubrieron y defendieron sus obras. Hoy, Schubert se encuentra entre los mejores compositores de música clásica occidental, y su música sigue siendo popular.

Fue un compositor, director de orquesta y pianista soviético, uno de los músicos más importantes del siglo XX.
Shostakóvich se hizo famoso en los años iniciales de la Unión Soviética, con obras como su Primera Sinfonía o la ópera La nariz, que combinaban con gran originalidad la tradición rusa y las corrientes modernas procedentes de occidente. Posteriormente, su música fue unas veces denunciada como decadente y reaccionaria y otras alabada como representativa del nuevo arte socialista por el Partido Comunista de la Unión Soviética (PCUS). En público, siempre se mostró leal con el sistema soviético, ocupó responsabilidades importantes en las instituciones artísticas, aceptó pertenecer al PCUS en 1960 y llegó a ser miembro del Sóviet Supremo de la Unión Soviética. Su actitud frente al gobierno y el Estado soviético ha sido objeto de agrias polémicas y se ha discutido enconadamente si fue o no un disidente clandestino frente a la URSS.

Tras un período inicial en el que parecen primar las influencias de Serguéi Prokófiev, Ígor Stravinski y Paul Hindemith, Shostakóvich desarrolló un estilo híbrido del que es representativa su ópera Lady Macbeth de Mtsensk (1934). Posteriormente, derivó hacia un estilo posromántico, donde destaca la Quinta Sinfonía (1937), y en el que la influencia de Gustav Mahler se combina con la tradición musical rusa, con Modest Músorgski y Stravinski como referentes importantes. Integró todas esas influencias creando un estilo muy personal. Su música suele incluir contrastes agudos y elementos grotescos,1​ con un componente rítmico muy destacado. En su obra orquestal destacan quince sinfonías y seis conciertos, en su música de cámara cabe mencionar especialmente sus quince cuartetos de cuerdas, también compuso varias óperas, así como música de cine y ballet.

Intérprete Superior, mención Fagot de la Universidad Católica de Chile. Magíster en Gestión Educacional y pos-titulado en Gerencia Pública. Pedro Sierra Espinoza es el actual Gerente Artístico del Teatro Regional del Maule y Director Residente de la orquesta Clásica del Maule.

El Teatro Municipal de Santiago es el centro cultural con más años de trayectoria del país y escenario fundamental de obras y compositores de todo el mundo. Destacan sus funciones de ópera, ballet, conciertos sinfónicos, y de cámara, pequeño municipal y teatro.

Perteneciente a la Ilustre Municipalidad de Santiago y Monumento Nacional desde 1974, su edificio fue diseñado por el arquitecto Francisco Brunet des Baines, inspirado en el estilo neoclásico francés. Fue inaugurado el 17 de septiembre de 1857, día en que se levantó el telón ante la presencia de las 1848 personas (capacidad inicial de su sala principal). Su inauguración fue una celebración muy esperada y quien tuvo el honor de ser la primera artista en subirse a su escenario fue Sofía Amic-Gazan, quien cantó el Himno Nacional junto a otras 12 mujeres, para luego participar en la ópera Ernani de Giuseppe Verdi. Esa misma noche, se inaugura también en este emblemático edificio el sistema de alumbrado a gas en Santiago.

Desde sus inicios, el Teatro Municipal de Santiago desarrolló una actividad relevante para el desarrollo y difusión de la artes escénicas y musicales del país, así como también, es un espacio donde han sucedido importantes hitos socio-históricos, uno de los más emblemáticos ocurre el 8 de enero de 1949 cuando se firmó la ley N° 9.292 que autoriza el derecho a voto universal femenino a las chilenas. Así como también la celebración de la gala presidencial, que se realiza cada 18 de septiembre desde su inauguración.

Actualmente, el Teatro Municipal de Santiago es administrado por la Corporación Cultural de Santiago y alberga a cuerpos artísticos fundamentales para el desarrollo artístico nacional: la Orquesta Filarmónica de Santiago (1955), el Ballet de Santiago (1959) y el Coro del Municipal de Santiago (1982), además de un cuerpo técnico que es patrimonio inmaterial vivo y responsable de la producción de todos los espectáculos.

El Teatro Municipal de Santiago además de ser una verdadera fábrica de espectáculos, es un reflejo de tradición republicana, política, social y cultural de nuestro país.